sábado, 10 de marzo de 2007

Yo, ello y superblog

Tecnología y educación


A partir de un súbito ataque de megalomanía me he dejado “atrapar” por los encantos de la red pero con la sana intención de sublimar ese sentimiento de omnipotencia digital y encauzarlo a fines mas productivos que observar mi ombligo, como escribir acerca de algunos temas que me preocupan o por lo menos creo que merecen cierta reflexión.
La utilización de las tecnologías como elemento represor y el otro gran tema que es consecuencia indeseada de este mismo y es la difusión masiva y lo que es mas grave, la aceptación del castellano-móvil como medio de expresión.

¿Perdidos?

Quiero hablar de tecnología y educación, de encefalogramas planos y tablas rasas. De desinformación y control. De ilusión de discrepancia , es decir de cómo nos las cuelan las multinacionales y el G no se cuantos, con el único acicate de poder ver "Casablanca" en la pantalla de el móvil.

Es la protesta de la protesta, es decir la protesta al cuadrado.
Estoy alarmado, consternado y sorprendido del uso que se hace de la tecnología en desmedro de las relaciones personales y analógicas.
No hace faltar desmenuzar “No logo” para comprender que defender un “estilo de vida” que nos encauza como borregos, nos sujeta con unas pautas que no decidimos, nos “contiene” en el peor sentido del término.

Nos limitan y cuando estamos ya entregados a este “modus vivendi-operandi” somos lo suficientemente manipulables para vendernos lo que haga falta.

Yo uso Mac, todo blanquito o todo titanio y disfruto de ello, del diseño y del provecho que saco para desarrollar mi trabajo, pero no quiero formar parte de ninguna moda, de ningún club de usuarios Vip´s.

Dalmiro Saenz decía que es difícil escribir sobre uno mismo … “por eso yo escribo sobre una mesa”

Información relevante vs exhibicionismo

Esto mismo que estoy escribiendo ahora podría ser una forma de exhibicionismo considerando la intensidad de las opiniones vertidas, aunque por definición no lo es, ya que el lector que haya llegado hasta aquí no ha sido forzado a exponerse contra su voluntad.

Esto nos introduce al tema mencionado y la publicación impúdica de ciertas actividades que deberían ser limitadas por el sentido común a un ámbito privado.

Luca Prodan afirmaba “mejor no hablar de ciertas cosas”
Ya veis, estoy citando toda la intelectualidad, pero os aseguro que viene a cuento.

No vale que todo esté globalizado y se pueda entrar en la intimidad de cada uno de forma desaforada y que esto se publicite, anime y forme parte del día a día de personas aún sin formación puede resultar nefasto, como está ocurriendo en la actualidad.

Lo mas grave a mi juicio es que su promueva desde ámbitos estatales pagados con los impuestos de cada uno como esos programas de la televisión pública que todo el mundo conoce ( y por favor no es una crítica al gobierno que está tan de moda).

Estamos expuestos a una apología de los sentimientos y por supuesto que es posible apagar la televisión, pero también se podría utilizar para algo mas enriquecedor.

No se trata de que existan las televisiones, ni los teléfonos móviles, me cuestiono el uso que se hace de ellos.

Creo que me estoy ganando unas collejas porque ahora viene, el messenger ...

Si alguno no lo conoce, es ese programita que sirve básicamente para conocerse, comentar películas o hacer cafés literarios, desarrollar ideas y sobre todo expresar pensamientos, todo on line, sin salir de casa si es que disponen de una pizza y cuatro coca colas.

Creo que es la mejor forma de conocer profundamente a alguien si es que no te puedes permitir un coach-lovers ¿no los hay?

Emprendedores : ya tenemos telepaella, así que a investigar los intangibles, que no contienen productos perecederos, ya que este tipo de relaciones rara vez se extiende en el tiempo y por lo tanto no puede morir.

La única desventaja del invento es que a poco de practicarlo con asiduidad necesitaras hacerte un injerto de batería para movilizar tu portátil (en vez del piercing) .
Como efecto secundario sufrirás de cierta forma de agorafobia , con la imposibilidad de relacionarte en situaciones tan poco naturales como puede ser la cola de La Caixa o el supermercado, pero no hay problema, siempre puedes enviar un SMS por 12 cent + IVA.

Que las empresas privadas se hagan con las pagas de nuestros adolescentes y haya campañas de publicidad en enormes carteles en la calle, en las paradas de autobús y estaciones del metro “redactadas” en castellano móvil, podría ser comprensible en la lógica del capitalismo antipersona, casi un efecto “colateral” de la modernidad. Pero es en realidad una bomba racimo intelectual que deja el cerebro de quien la practica indiscriminadamente como un queso gruyere.

Mi amigo Daniel, ( … palestino, como Noam) empresario de éxito , resolutivo y pragmático me decía : el capitalismo me permite vivir bien pero por favor ¡no maten a los clientes!.

Esa ecuación mas la OT (… mejor es pedir que robar …) ,
los tomates y los Big Brothers de la neointelectualidad (si Orwell supiera que su creación es hoy sinónimo de lo que el aborrecía …) da como resultado que un considerable porcentaje de gente pueda plantearse nada acerca de su propia vida.

Con estos estímulos con que argumentos convences a tus hijos que estudiar es mejor que ir a un casting, que Madame Curie es mas valiosa que esa cenicienta de la España profunda que vino vió y triunfó ….

Antes y ahora…
Mi amiga guru me dice : antes los tontos existían también …
pero no tenían tanta publicidad!!!

En cualquier caso, tampoco tenían poder adquisitivo y por lo tanto no interesaban a la economía de mercado.

El lenguaje es creador de pensamiento, no lo digo yo.
Si manejas un vocabulario irrisorio es imposible que puedas comprender la realidad.
No puedes interpretar la realidad , no puedes manejar conceptos abstractos. No puedes ejercitar la imaginación.
Interpretar lo que te rodea, tomar decisiones con independencia.

En USA hay 45 millones de analfabetos funcionales, saben leer pero no entienden lo que leen y ahora vivimos en "Un mundo feliz" ya que globalizamos la ignorancia.

Ya saben eso de que muchos millones de moscas comen mi… y que no pueden estar equivocadas.

USEMOS LA TECNOLOGÍA, nosotros a ella, no nos dejemos atrapar por la velocidad del reloj o el último parche-apaño de sistema operativo que Apple inventó hace 20 años.

Todos los que utilizan los ordenadores a nivel usuario ya usaban con éxito esta herramienta cuando corría el MS Dos y el Wordperfect funcionaba perfectamente …


Este concepto es aplicable a todo esto de lo que hablo, la tecnología esta bien pero hay que utilizarla de forma racional.

El pan no engorda, engorda el que lo come.


Que no sea el leitmotiv, el fundamento de nuestra existencia y que no proliferen los junkies tecnológicos. Que se haga un uso racional de este recurso tan importante que me permite expresarme de esta manera.


Como información adicional, soy usuario de móvil desde 1991 y de ordenadores desde que salieron al mercado. Soy periodista y trabajo con toda la parafernalia que hace posible mi trabajo, nada personal.


QuickTime VR en Internet

QuickTime VR en Internet
Fecha: 01/01/1998

por Ricardo Murad

El auge de Internet está modificando muchos hábitos en la sociedad . La velocidad con la que surgen las nuevas tecnologías no da tiempo a procesar la enorme cantidad de información, y como resultado puede que el usuario se sienta desbordado por tanta tecnología incipiente y no sepa por cual decantarse para afrontar un proyecto determinado cuyo resultado final sea la publicación en Internet .


Apple ha ganado su particular batalla frente a otras tecnologías de publicación multimedia con QuickTime, tecnología que ha trascendido los límites del sistema operativo que se utilice y es punto de referencia tanto en entornos Macintosh como Windows .

Mientras tanto, otras tecnologías surgen con fuerza para, con el paso del tiempo, reciclarse o quedar en el intento . Esto también ocurre con algunas aplicaciones que prometen paraísos que pronto se adivinan de atrezzo, otras veces de entre los fuegos de artificio surge alguna perla con determinada utilidad cierta .

Este es el caso de la tecnología QuickTime Virtual Reality ( QTVR ) que, a pesar de ser una gran desconocida, se va afianzando poco a poco como una potente herramienta de desarrollo de propósito multimedia . Esta aplicación permite recorrer espacios virtuales con una aproximación más cercana a la forma en que se percibe la realidad . Esta es su característica mas importante, ya que permite establecer un punto de referencia más humano que el habitual en este tipo de tecnologías de vanguardia .

Recorriendo un espacio desde la pantalla del ordenador, QTVR va corrigiendo la imagen en tiempo real, de tal forma que nuestro punto de vista siempre mantiene la perspectiva correcta . Esto se consigue con un sofisticado algoritmo, que es la principal aportación de esta tecnología . Dada su gran versatilidad, sus aplicaciones son muchas y es posible usarla en ámbitos muy diferentes .

Una de sus características más importantes es que los desarrollos pueden ejecutarse en diferentes soportes; de entre éstos, en este artículo nos centraremos sobre la posibilidad de publicar películas QTVR en Internet . Es de destacar la influencia que Internet tiene y tendrá en la convergencia de ambas plataformas Macintosh y PC, donde QTVR se mueve sin ninguna dificultad y con el único requisito de cargar el plug-in correspondiente en el navegador .


Consideraciones previas

Aunque las películas deben ser creadas en entornos de desarrollo Macintosh, la traducción de las mismas a formato híbrido es muy sencilla . No obstante, existen ciertas consideraciones que deberán tenerse en cuenta previamente para un desarrollo destinado a su publicación en Internet .

Para realizar una película que pueda ser objetivamente publicada en la Red deberá tener un tamaño de archivo que no supere los 350 KB por cada uno de los posibles nodos contenidos en la película QTVR, ya que un tamaño superior de archivo, si se tiene en cuenta la velocidad de los módems actuales, demandaría un tiempo excesivo hasta poder comenzar a navegar por ellas .

Esta situación puede cambiar en un futuro cercano con la llegada de QuickTime 3 . 0 con el cual se podrá comenzar a ejecutarse el archivo aunque éste no se haya terminado de cargar, lo que es una buena noticia tanto para desarrolladores como para usuarios .


El tamaño del archivo

El tamaño del archivo es determinante a la hora de planificar lo que se va a publicar y la forma de hacerlo . Si el objetivo de nuestra página Web es navegar por un espacio virtual a través de diferentes paisajes, habitaciones u oficinas, la forma más obvia es hacerlo creando varios panoramas o nodos que son soportados por los navegadores más populares .

Es muy importante considerar que el tamaño del archivo se incrementará en función de los nodos o panoramas contenidos en la película original . Por este motivo hay que plantearse si finalmente vamos a ejecutar una película QTVR multinodo, o bien nuestro proyecto puede fraccionarse en varias páginas HTML que contengan nodos individuales . Esta última posibilidad es bastante asequible en términos de memoria, ya que si el nodo está dentro de una página que contiene otros gráficos, como pude ser un logo de empresa, archivos GIF animados, o una interfaz común a varias páginas HTML, éstos sólo se cargarán la primera vez, quedando almacenadas en la memoria caché para su próxima utilización . Si saltamos a otro nodo que esté ubicado en un entorno gráfico similar sólo se cargará la nueva película, y además se tendrá la sensación de que sólo se ha cambiado de nodo, lo que por otra parte no deja de ser cierto en términos del funcionamiento del ordenador .

Dentro de este esquema de trabajo, podremos utilizar los “hot spots” o puntos calientes para pasar de un nodo a otro o de una página HTML a la siguiente, siendo ésta otra de las características que más posibilidades ofrece QTVR .


Hots spots

Estas zonas especiales dentro de la película QTVR permiten interactuar, y ejercer diferentes acciones que permiten al usuario determinar activamente el comportamiento de la película ejecutada .

Existen varias posibilidades en este apartado . Básicamente se utilizan para definir la forma de navegar entre nodos . En Internet podríamos agregar otras posibilidades como navegar entre diferentes páginas Web, enviar correo a una dirección previamente definida o acceder a una dirección URL de otro servidor . Por supuesto también se puede vincular gráficos, texto o sonidos, accionando el ratón sobre un Hot Spot .


Cómo definir Hots Spots

Para definir un Hot Spot, una vez cosidas las fotos, deberá definir las puntos calientes en un programa como por ejemplo Photoshop, o bien importar nodos y gráficos a la pila de Hypercard “Editor de escenas” que forma parte de QuickTime VR Authoring Tools Suite . Cuando tenga definido los puntos calientes, sólo tendrá que exportarlos con los nuevos gráficos creados, y terminar el proceso, ejecutando el documento MPW resultante de la exportación del “Editor de escenas” .

Durante el proceso de creación de puntos calientes habrá pintado con algún color de la paleta del Sistema ( Macintosh ) las zonas que posteriormente serán interactivas . A estos colores les corresponde un número de identificación particular, mas conocidos por “numero ID” . Estos números ID son los que QuickTime VR utiliza para diferenciarlos entre sí y poder asignar las diversas acciones sin ningún tipo de conflictos . Esta peculiar forma de discriminar números ID tiene un límite de 254 posibles, ya que los números asociados al color blanco y al negro están excluidos .

La forma de usar los números ID en Internet para determinar a qué “Hot Spot” corresponde cada acción se gestiona en la misma página HTML donde se incluye la película . Para ello se debe incluir dentro del código HTML el nombre del nodo y los números ID de cada “Hot Spot” que contenga la película para, de esta forma, poder adjudicar una acción específica a cada punto caliente en particular .


Consideraciones acerca del tamaño de archivo

La forma de determinar el tamaño de la película QTVR está en relación directa con el tamaño del PICT que contiene las fotos individuales una vez cosidas .

Este paso fundamental en la creación de la película ha de decidirse en función de las necesidades del proyecto, ya que si determinamos un tamaño de PICT lo suficientemente pequeño, como para obtener una película de un tamaño reducido de archivo, no podremos definir una ventana demasiado grande y además el factor de zoom se verá limitado considerablemente . Si por el contrario deseamos generar una película que permita obtener “más detalle” utilizando un factor de zoom más acusado; este sería el caso, por ejemplo, de una película QTVR que incluya gente en sus oficinas .

Si se pensara incluir este ejemplo en una página Web habría que encontrar un valor intermedio que contemplara una resolución aceptable con un tamaño de archivo manejable, ya que en este caso a pesar de la importancia de la gente en su ámbito de trabajo, el objetivo de mostrar el entorno podría considerarse suficiente .

En el supuesto caso de una película QTVR desarrollada en un supermercado mediante la cual el usuario pudiera observar los productos de las estanterías para una eventual compra virtual, se debería intentar conseguir la máxima definición posible para que, una vez decidido el objeto de nuestra atención, éste no se transforme en una imagen tan pixelada que apenas sea reconocible .

Estas consideraciones deben ser sopesadas en función del medio que elijamos para publicar la película QTVR y el objetivo de la misma, y sobre todo la forma de implementar la interactividad .

Una solución alternativa en el ejemplo del supermercado, sería vincular por medio de puntos calientes cada uno de los artículos con fotografías de los mismos . De todas formas, en este caso tampoco estaríamos exentos de publicar estas fotos, con el consiguiente aumento del archivo .


Compresión

La compresión de la película QTVR es el factor que determinará la calidad y el tamaño de archivo final . Existen diferentes tipos de compresión, que equivalen a los codec encontrados bajo la arquitectura global de QuickTime: Cinepak, Apple vídeo, JPEG, Animación, Raw, Gráficos y Video compacto entre otros .

Nuevamente, para determinar cuál elegir, hay que decidir entre más calidad con menos compresión o más compresión con menos calidad .

Aunque Apple recomienda utilizar Cinepak, que es la opción por defecto en los scripts predefinidos que acompaña la versión de MPW incluida en el “QuickTime VR Authoring Tools Suite”, la opción más recomendable es tomarse un poco de tiempo extra y probar los diferentes tipos de compresión ( con tamaño variable ) antes de decidirse por uno en particular .

No obstante si el resultado de su película presenta algún síntoma de los siguientes, cambie de compresor: aliasing mal definido, ruido en la imagen o transición de movimientos, colores que varían durante la ejecución, reducción de contraste, imágenes con exceso de distorsión, imágenes distorsionadas al utilizar la ampliación en la interfaz de navegación, o que la película no se desplaza con fluidez .

El último de los posibles problemas también puede tener que ver con el proceso previo a la implementación de la interactividad: el número de “tiles” .

Recordemos que, antes de obtener la película que contiene los recursos necesarios para la navegación, el comando Dicepicture crea un mosaico con pequeños trozos del pict original . Al final de esta etapa se obtiene una película QuickTime convencional que, si la ejecuta, permite ver la escena QTVR dividida en trozos iguales .


Determinando la cantidad de “tiles”

Para determinar la forma en que se va a dividir el archivo PICT largo resultante del cosido, hay que utilizar la opción “numTiles” . Esto es muy importante porque no sólo influye en la forma en que la película navegará, si no que es una condición indispensable para poder utilizar esta película bajo entorno Windows .

Para ello hay que modificar el tamaño del archivo que se va a trocear, de tal forma que sea divisible por “4” .

En el siguiente ejemplo asumimos que se han utilizado las fotografías de la carpeta 768 x 512 de un Photo CD ( o cualquier otra equivalente ) . En el hipotético caso que logre coser todo el panorama sin perder un píxel; es decir, sin ninguna variación en el nivel durante los 360 grados de la panorámica, podrá comprobar que obtiene un archivo en formato PICT de 2776 píxeles de largo por 768 de altura . Con estas medidas, en principio, no podrá crear un guión adecuado para lograr el objetivo .

Será entonces cuando deba desempolvar la calculadora del Mac y tratar de aproximarse a un número que sea divisible por cuatro, o una cifra mayor que sí lo sea . En este caso: 2776/24=115,6666 . Si multiplica 115 ( que es el número mas próximo ) por 24 obtendrá: 115x24= 2760 . Ahora ya sabe que 24 es uno de los parámetros a utilizar . Con la altura deberá hacer lo mismo . En este caso: 768/4= 192 . Por lo tanto, el otro número será el 4 . A partir de estos resultados habría que escribir el Script de la forma siguiente:



DicePicture -numTiles 24 -quality 512 -codec “cvid” -out “Macintosh HD:carpeta ƒ:nueva . moov” “Macintosh HD:carpeta ƒ:nombre . PIC” msnm “Macintosh HD:carpeta . ƒ:nueva . mov” -source “Macintosh HD:carpeta ƒ:nueva . moov” 1 24 ð -vPanRange 31 -31 -windowSize 480 200 -defaultView 120 0 30 -zoomRange 20 66 .



Una vez ejecutado el guión, obtendrá una película QTVR, que se ejecutará sin ningún salto y que podrá hacer compatible con Windows .


Incluir QTVR en páginas Web

Al igual que ocurre con otros elementos soportados por los navegadores mediante el uso de módulos, la opción más sencilla para incluir las películas QTVR en sus documentos HTML es utilizando aplicaciones de edición visual como, por ejemplo, Adobe PageMill . Lo único que tendrá que definir en este caso es el tamaño de la ventana ( acomodándola al tamaño de ventana al que se haya creado la película QTVR ) . Otros parámetros opcionales son el mostrar u ocultar la barra de navegación estándar que presenta el módulo QuickTime para Netscape o Explorer .


Conclusión

Aunque con ciertas limitaciones, por los motivos anteriormente mencionados, el uso de QTVR en Internet no se limita a mostrar espacios reales o imaginarios .

Hay otras posibilidades que se pueden utilizar en Internet con películas QuickTime VR de objetos, como la utilización de transformaciones o las distorsiones generadas por Kai´s Power Goo .

Utilizando las características de los puntos calientes es posible crear un menú alternativo al hipertexto o a los gráficos con mapas de bits, este menú puede ser una película VR que contenga referencias gráficas o iconos de los lugares a visitar .

Es probable que QTVR no signifique un avance en términos de navegación, pero considerando las escasas posibilidades de interactividad que ofrece hoy la red, la implementación de formas más imaginativas permitirá una forma mas lúdica de acceder a las diferentes páginas .

Con respecto de su aplicación clásica, su utilización en Internet abrirá un cúmulo de posibilidades ilimitadas aplicables a un gran número de necesidades .

RICARDO MURAD es experto en QTVR y colaborador de Macworld España .

QuickTime VR: A un paso de la realidad

QuickTime VR: A un paso de la realidad
Fecha: 01/07/1995

por Ricardo Murad.



Se ha hablado mucho sobre QuickTime VR . Ahora ya está disponible en nuestro país, y cualquier usuario puede crear películas virtuales . En este artículo podrá descubrir no sólo la forma de trabajar con QuickTime VR, sino también una serie de consejos y técnicas para obtener el máximo de calidad en cada proyecto .


A casi cuatro años del desarrollo por parte de los programadores del Apple Advanced Technology Group, Eric Chen ( quien desarrolló la extensión QuickTime ) , e Ian Small ( que trabajó en los detalles para su posterior lanzamiento ) , QuickTime VR es una realidad palpable . De hecho, el kit de desarrollo ya está disponible a través de APDA, ( Asociación de Desarrolladores de Apple ) representada en España por CDIS .

Esta tecnología que revoluciona el concepto de interactividad, difiere de las películas QuickTime convencionales por la posibilidad de recorrer el espacio a través de la pantalla del Mac ( o Windows ) utilizando el ratón o el teclado, así como explorar un objeto, pudiendo observarlo desde cualquier punto de vista con la perspectiva correcta .


¿ Qué es QuickTime VR ?

QuickTime VR es una tecnología basada en fotografías o imágenes planas y 3D; y su ambiente natural es el terreno de las producciones multimedia en CD-ROM, que permitirá a los desarrolladores utilizarla en un amplio abanico de títulos . Su enorme versatilidad permite acercarse a una percepción de la realidad, más próxima a una visión cotidiana, es decir la forma en que funcionan los sentidos, y sentir como si realmente se estuviera navegando dentro de la propia película .

Con los procedimientos habituales de fotografías o películas, se traduce la representación de la realidad que los medios tecnológicos disponibles hasta el momento nos ofrecían . Esta observación del mundo real no nos permitía hasta ahora interactuar o tomar alguna decisión que modificara algo de lo que ocurría delante de la pantalla del ordenador, asistiendo a esta forma como meros espectadores .

QuickTime VR nos dará ahora la posibilidad de recorrer un paisaje a nuestro alrededor, y regresar al punto de vista original por el camino opuesto, después de trazar un círculo completo de 360 grados .

Se podrá visitar un edificio virtual que aún no existe, pasear por un museo y explorar un objeto específico desde cualquier posible ángulo, con la posibilidad de realzar la información visual con textos, sonido, y todo el arsenal del que se nutre la multimedia . Y todo ello, en cualquier Mac .


Componentes de QuickTime VR

Para generar una película no es tan preciso, aunque sí recomendable, contar con un Mac rápido pero sí que tenga una buena cantidad de memoria RAM instalada en él . De hecho, el conjunto de desarrollo para QuickTime VR requiere 43 MB de memoria RAM para trabajar con soltura .

Por otro lado, aunque resulte hasta cierto punto paradójico, el kit de desarrollo para generar películas con un alto nivel de interactividad resulta excesivamente austero y poco intuitivo para un usuario . La interfaz de usuario no existe, tal y como estamos habituados en el entorno Macintosh, y por el momento el software está claramente dirigido a desarrolladores .

QuickTime VR no requiere un hardware adicional, ya que es una extensión de la propia arquitectura QuickTime, aunque deberá tener instalado varios programas, entre ellos el MPW que consiste en un conjunto de herramientas para desarrollar software en C, C++ o lenguaje ensamblador para procesadores 680x0 y PowerPC .

El MPW y más concretamente el MPW Shell, es un editor de texto donde se programan un conjunto de parámetros que determinarán la forma en que se ejecuten los diferentes scripts .

Básicamente, el kit de desarrollo está compuesto por diversos módulos que habrán de ejecutarse por separado para completar cada una de las fases de producción de la película VR . De igual forma, los pasos serán variables en función del tipo de película que vaya a generar .

Hay dos componentes fundamentales en QuickTime VR: la película panorámica y la película de objetos .

Una de sus posibilidades más prometedoras es la de utilizar imágenes del mundo real ( a partir de fotografías de alta calidad, lo que constituye una ventaja sobre películas basadas en vídeo, además de poder alterar la secuencia del visionado ) o imágenes generadas mediante aplicaciones de 3D .

Para los desarrolladores se elimina la necesidad de emplear largas sesiones de vídeo o cámaras panorámicas de alto coste, con el consiguiente abaratamiento de los costes de la producción .


Trabajar sin programación

El programa nos proporciona una serie de plantillas que ejecutan todas las funciones más comunes para realizar la película VR . Sin embargo, estas sirven para ejecutar órdenes preestablecidas de antemano ( que hacen referencia a un disco que simula un Photo CD y que está incluido en el kit de desarrollo ) , por lo que, para poder utilizarlos, deberemos editar los scripts, determinando los archivos de origen, destino y otros parámetros que afecten al ángulo de visión de la lente que originó los fotogramas, así como también el ángulo de rotación de las fotografías ( como verá a lo largo de este artículo ) .

Estas plantillas abren directamente el MPW, de tal forma que en nuestra primera aproximación al VR, nos encontramos con un script . Si bien esta forma un tanto descarnada de aproximación, le sumergirá abruptamente en el corazón del programa, de tal forma que se verá así obligado a realizar sus propios scripts . Podrá comprobar con el uso la potencia de la que es capaz el programa, si sabe dar las órdenes correctas . Es duro y estimulante a la vez . Acceder a una película QuickTime VR es tan sencillo como hacer doble clic en la película que desee explorar con el reproductor en su disco duro; muy similar a MoviePlayer .

Si para comenzar sitúa el ratón en el medio del fotograma y lo arrastra hacia uno de los lados, la película comienza a desplazarse en la dirección indicada, aumentando la velocidad a medida que desplace el ratón, manteniéndolo pulsado hacia uno de los márgenes de la ventana . Y cuando se encuentre con un " Hot Spot " ( punto caliente ) , previamente definido durante la creación de la película, se dará cuenta porque el cursor cambia el icono . Entonces podrá explorar este objeto y seguir investigando la película .

La ejecución de una película en formato VR no requiere grandes especificaciones de hardware . Apple recomienda un procesador 68030, a 25 MHz con 5 MB de RAM como mínimo . Las películas, una vez compiladas, ocupan la discreta cantidad de 850 KB de espacio en disco .


Los comandos de QuickTime VR

El proceso de generar una película en formato VR requiere la intervención de una serie de guiones o scripts que se encargan de tratar los fotogramas originales para completar una imagen panorámica . El resultado final será un archivo único conteniendo la panorámica global .

A continuación están descritas las funciones que realiza cada uno de los guiones, y que podrá entender mejor si ve el esquema " Cómo funciona QuickTime VR . "

Stitch . El comando " Stitch " es el que permite " coser " o mezclar las imágenes adyacentes . Al finalizar este proceso se obtiene un archivo PICT que conserva la altura original y en el cual la anchura está determinada por la suma del total de fotogramas necesarios para cubrir los 360 grados de una panorámica .

Esta medida no es la suma del ancho de todas las fotografías, ya que es necesario calcular 1/3 ó 1/2 de solapamiento por cada uno de los fotogramas adyacentes .

La creación de un panorama estándar demandará, aproximadamente, 40 minutos en un Quadra 840 AV, o 60 minutos en un Quadra 900 .

El comando " stitch " contiene una serie de parámetros que permiten determinar la forma en que se ejecutará la orden de cosido en las fotografías . Si se han seguido las indicaciones para obtener un archivo estándar, se podrá utilizar el stitch que incluye el programa . Si se ha utilizado otra lente o quiere crear su propio stitch, tiene la posibilidad de crearlo en MPW . Para crear un stitch a medida, se deben programar los siguientes parámetros:

Archivos origen y destino . Dónde están ubicadas las fotografías y dónde se almacenará el archivo procesado .

Angulo de visión ( FOVº ) . Es el ángulo de visión en grados de la lente en posición vertical ( de arriba a abajo ) .

Rotación . Este parámetro corrige la posición de las fotografías digitalizadas poniendo todas en el mismo sentido .

En el caso de utilizar Photo CD, como éste almacena por defecto las fotos verticales en forma horizontal en el sentido de las agujas del reloj, se debe programar en -90 grados para devolver la posición correcta .

X Offset . Es la distancia en puntos desde el margen izquierdo de la imagen hasta el margen derecho de la imagen siguiente . Determinar este valor con mayor aproximación acelerará el proceso del cosido de la imagen .

X Offset Search Range . Es la distancia horizontal en puntos, donde el programa busca la mejor situación para unir las imágenes .

Y Offset . Es la distancia del punto superior de una imagen al punto superior de la siguiente . En general si se han realizado las fotografías con el trípode de forma estable alrededor del panorama, este valor debe ser 0 .

Y Offset Search Range . Es la distancia vertical, donde el programa busca la mejor situación para unir las imágenes .

Existe la posibilidad de realizar ajustes manuales entre las imágenes, con el fin de ajustar al máximo la unión, facilitar el trabajo al programa y corregir errores producidos en el momento de la toma . Para esto deberá modificar el script, agregando la continuación del nombre del stitch . Una vez ejecutado el stitch y obtenido el PICT correspondiente, se podrá seguir con el siguiente paso .

Dicer . Esta utilidad comprime el archivo PICT y pequeños trozos llamados Tiles ( mosaico ) . Esto constituye el paso previo a la obtención de la película navegable .

MakeSingleNodeMovie . El siguiente y último paso para crear una película navegable autónoma es ejecutar este script .


Cómo obtener interacción

Lo más básico que se puede hacer con QuickTime VR es la generación de una película navegable, pero en seguramente desee añadir más interacción a dicha película para que el usuario pueda " coger " con su mano alguno de los elementos que hay sobre la película; saltar de una zona a otra, o simplemente desea integrarla en un interactivo realizado con Director .

Para conseguir cada una de estas propiedades, el kit de desarrollo contiene herramientas que le permitirán definir puntos calientes ( aquellos puntos que, una vez seleccionados, permiten ejecutar una acción determinada sobre el objeto ) ; saltos no lineales entre diversos puntos de la película; y, por último, rutinas externas para la inclusión de películas VR en otros proyectos multimedia .


Puntos calientes

Los puntos calientes o " Hot Spots " se pueden utilizar para acercar un objeto, examinarlo y en definitiva crear un paréntesis visual .

En la clásica demo de Apple [ ver MacworldCD 4 ] , mientras se recorre la tienda, cuando pasa el ratón por algún punto caliente ( cambia el icono ) , haciendo doble clic en el objeto se puede observar el mismo fuera del contexto y con información adicional .

En otra ocasión el software utiliza analogías con el mundo real . Sería el equivalente a entrar en una tienda y cuando un objeto le llamara la atención, tener la posibilidad de verlo con más detalle . Aunque los objetos aquí estarán predefinidos, esta forma de aproximación parece más cercana y obviamente los objetos dotados de esta propiedad serán los más destacados por su contenido .


Creación de puntos calientes

Cuando se ha obtenido la imagen PICT, resultante de la ejecución del Sticher, se pueden crear las zonas interactivas o puntos calientes, que dotarán a la película de interactividad . QuickTime VR tiene una filosofía propia para crear " botones " diferentes de otros programas como Director o Hypercard .

Para definir un punto caliente bastará con realizar los siguientes pasos:

 Abra el archivo PICT en un programa de dibujo como, por ejemplo, Photoshop ( necesitará trabajar con colores sólidos, asegúrese de obtenerlos de la paleta del sistema ) . Podrá observar ciertas deformaciones similares a cuando ve la representación del globo terráqueo en un plano .

 Cree una capa adicional y actívela .

 Una vez decidido cuales serán las zonas que actúen como puntos calientes, pinte cada objeto con un color diferente .

 Elimine la capa que contiene la fotografía completa .

 Salve el documento que contiene las siluetas de los objetos pintados .

En un proceso posterior, QuickTime VR combinará esta imagen con la original, aunque esto no será visible al ejecutar la película, cuando el ratón pase por encima los detectará .


Multinodos

Quizá la característica más espectacular de QuickTime VR es la posibilidad de vincular diferentes películas o nodos entre si, con objetos sensibles o Hot Spot, contenidos en las mismas . Esta técnica permitirá al usuario saltar de una película a otra, explorando el espacio y sobre todo decidiendo la forma de descubrirlo . La potente herramienta que incluye el paquete de software para esta función se denomina " Editor de escena . " Esta es una herramienta creada en Hypercard que servirá para gestionar los diferentes objetos que intervienen en la película, vincularlos y definir los parámetros que afectarán la ejecución de la película .

Para recorrer la escena completa, saltar de un nodo a otro o para ir directamente a uno que le interese, se debe crear un pequeño interfaz en un programa de dibujo para obtener un gráfico de la superficie que representará el espacio por donde podrá navegar con la película de QuickTime VR . De esta forma, pulsando con el ratón en las diferentes áreas representadas o presionando botones convencionales podrá saltar de una zona a otra de la película VR .


QuickTime VR en Multimedia

Una vez que haya terminado todo el proceso de edición, en el caso de que desee integrar la película con los otros elementos disponibles en el campo de la multimedia, en un programa de secuenciación como Director o lanzar la aplicación desde Hypercard, deberá proporcionar a estos programas las herramientas necesarias que les permita comunicarse con QuickTime VR . Para utilizar toda la potencia que es capaz de ofrecer QuickTime VR, Apple ha creado comandos externos ( XCMD ) disponibles en la Authoring Tools Suite . De esta forma es posible utilizar películas QuickTime VR como si fueran las películas estándar de QuickTime, un archivo de sonido, o un gráfico PICT .


Lo que hay que pagar

El Kit de desarrollo se suministra en dos configuraciones distintas . En el caso de que se opte por el kit de desarrollo con el MPW, el precio para el usuario será de 82 . 500 pesetas más IVA . La segunda opción, que no incluye el MPW, reduce el precio hasta 52 . 000 pesetas más IVA .

De todas formas, el uso de esta novedosa tecnología tiene un precio para el desarrollador . A diferencia de la tecnología QuickTime ( incluida con cada una de las máquinas ) , todo aquel usuario que desee incorporar películas en formato VR deberá suministrar a los usuarios una extensión extra para ver correctamente las películas en asociación con las típicas extensiones de QuickTime .

Según los precios establecidos por Apple Computer para el tema de las licencias de QuickTime VR, la duplicación de hasta 25 . 000 títulos CD-ROM con algún contenido creado con el VR no conlleva ningún cargo, mientras que por encima de esta cifra los gastos serán de 400 dólares por cada 5 . 000 unidades .


Conclusión

No es vistoso, no tiene botones en 3D, ni color, y es posible que las personas no habituadas a trabajar con scripts, puedan verse sorprendidas por el austero método de trabajo .

No se debe evaluar este software con los parámetros habituales de los programas comerciales, sin una cierta desventaja con respecto de los primeros, ya que ésta versión 1 . 0 está orientada a desarrolladores y por lo tanto carece de estética alguna . Se trabaja desde dentro del programa y lo que obviamente importa es lo que el programa hace y cómo lo hace .

La forma en que funcionan los comandos es impecable . Puede ocurrir que al principio los resultados no sean los esperados, generalmente porque las instrucciones no sean las correctas, pero la posibilidad de modificar los parámetros nos permitirá ajustar con precisión los valores para obtener lo que deseamos .

El editor de escenas tiene el aspecto típico de las pilas Hypercard y realiza un papel fundamental a la hora de organizar los archivos generados en el programa . Asusta un poco la cantidad de parámetros que deberá definir para que la película ejecute la navegación tal como esperamos que suceda, pero no es excesivamente complicado .

Los requerimientos de procesador y memoria son elevados para crear películas QuickTime VR . En cambio no es necesario elevadas prestaciones para su ejecución . Esto dará la posibilidad de disfrutar el material creado en este programa a un mayor numero de usuarios .

Pasados los primeros momentos de incertidumbre, con el manual asimilado y después de comprender la filosofía del programa, a pesar de la asepsia del entorno de trabajo, ver los primeros resultados hacen olvidar rápidamente los esfuerzos realizados para lograrlos .

El programa hace lo que se espera de él, aunque requerirá bastante disciplina y planificación para llegar a óptimos resultados, sobre todo para aquellos sin experiencia en programación .

Por lo tanto el balance en general es muy positivo, los resultados espectaculares y las aplicaciones en el entorno de las creaciones multimedia en CD-ROM verán incrementadas sus posibilidades de forma importante .



Publicado originalmente en Macworld España


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Consejos prácticos a la hora de tomar fotografías

Estos consejos valen tanto para QuickTime VR como para fotografía general y pueden facilitar mucho el trabajo .

Pase todo lo desapercibido que pueda . En situaciones que intervienen personas, puede complicarse una toma ( de las 12 o 18 que deberá realizar para completar un panorama ) porque la gente es a veces reacia a dejarse fotografiar sin saber el motivo y por un extraño . Una palabra amable o las explicaciones pertinentes obran milagros .

Intente adelantarse a un cambio meteorológico . La inoportuna visita de una nube en medio de la sesión fotográfica puede resultar desesperante . Recuerde que si continúa completando el panorama con esas condiciones de luz, obtendrá una " tira " de fotos con muy diferentes exposiciones y que son muy dificiles o casi imposible de modificar en su programa favorito de retoque fotográfico con resultados aceptables . No sólo habrá diferencia de exposición, sino que además el color tendrá unas características muy diferentes, y esto dará origen a " un salto de luz " en la película panorámica . La unica solución es esperar y tratar de obtener un resultado lo mas homogéneo posible, o repetir todo el panorama .

Considere incluir varios tipos de película en su bolsa fotográfica, asi como alguna lente gran-angular extra . Cuando observe la escena a través de la lente, piense en el resultado final y si la perspectiva no es la adecuada, tómese el tiempo necesario para reflexionar . Considerando la cantidad de fotogramas necesarios para un panorama, el precio del revelado, digitalización, y el tiempo que tendrá que emplear para repetirlo, bien merece la pena este esfuerzo .

Tenga todo el cuidado que sea posible al girar la cámara para no desplazar la situación del trípode . Monte el trípode sobre un sitio estable . Un buen truco es colgar el bolso fotogáfico, pasando la corréa del bolso por la cabeza del tripode antes de montar la cámara . Este peso adicional clava el trípode en el lugar y le da mucha estabilidad ante el viento, pero antes no se olvide de sacar todo lo que vaya a utilizar .

Utilice un cable para disparar sin tocar la cámara y use una camara con motor de arrastre de la película, para que pase los fotogramas automáticamente .

No se olvide un parasol . En muchas situaciones es fundamental, en caso de apuro, el periódico del día puede ayudar . Observe con mucho cuidado a través del objetivo que no se cuele ningún rayo de sol en los fotogramas " claves " donde la camara tiene el sol de frente .

Haga las fotos con luz cenital ( al mediodía ) . Esto tiene la ventaja de no enfrentar la lente con el sol . La noticia mala es que la luz a esta hora suele ser muy " dura " y más en el verano, de tal forma que habrá en ese tipo de situaciones un contraste de luz muy elevado con sombras muy oscuras y luces altas muy pronunciadas .

Utilice película de bajo contraste, no sólo siga las especificaciones de la película, haga pruebas y considere al laboratorio de revelado como un elemento más, para que no sea una variable, sino más bien una constante .

Los revelados se realizan con quimicos y cada laboratorio tiene sus controles de calidad y tiempo de cambio de estos liquidos . Dirijase a un establecimiento profesional, y como precaución extra, entregue las películas por la mañana ( que es cuando cambian los liquidos ) .

En días nublados hay que compensar la exposición para que las fotos no queden oscuras, pero cuando el cielo está nublado de forma uniforme, es como si fotografiaramos en un enorme estudio natural !

Texto y fotos © Ricardo Murad

Electric Sitar - Jerry Jones

Electric Sitar - Jerry Jones

Por Ricardo Murad

Frank Zappa, Steve Vai, Steve Howe de ‘Yes’, The Who, Stevie Wonder, Joe Pass, Rusty Anderson en “Animal Logic”, han utilizado esta guitarra. Hits como “Green Tambourine” o “Last train home” de Pat Metheny han triunfado con este particular sonido.

En los años ‘60, durante la época ‘hipidélica’, las influencias indias con los Beatles y los Rolling Stones a la cabeza, han utilizado el sitar como instrumento regular en muchas de sus producciones discográficas, aunque ni el mismísimo George Harrison llegó a dominar este instrumento tomando clases en la india.
Vinnie Bell, un músico de estudio de la costa oeste de USA , tuvo la idea de construir una guitarra que imitara el sonido del sitar, y finalmente Danelectro la construyó en serie en 1967/68, bajo el nombre de ‘Coral Electric Sitar’. La enorme demanda del instrumento y la circunstancia de que Danelectro finalizara su fabricación, dificultó la posibilidad de adquirir esta guitarra, siendo la única posibilidad hacerlo de segunda mano. La cotización de este instrumento bien conservado podría alcanzar varios miles de dólares.
Jerry Jones, un gran aficionado a los productos de esta compañía, estaba trabajando en la reconstrucción de pastillas de bobina simple ‘Lipstick’, así como también una versión clónica del Coral Sitar original a la que denominó ‘Electric Sitar Jerry Jones’.

El cuerpo de esta guitarra es aparentemente sólido, aunque una revisión en detalle nos permite deducir que realmente es hueco, con un marco de madera muy liviana, y capas de esta madera para la tapa y el fondo. Es difícil especificar más detalles, ya que el acabado ‘gateado en rojo’, no lo permite. Sobre una terminación de laca negra se pulveriza una pintura roja que se apelmaza, formando grumos rojos sobre la laca, es decir no cubre enteramente la superficie negra, quedando una curiosa terminación llamada ‘Red Gator Finish’. Esta característica, que en principio podría considerarse un error, se aprovecha de forma creativa.
La curiosa forma de esta guitarra hace muy cómoda su ejecución cuando se toca sentado. Su peso es bastante ligero. El mástil es muy fino, ensanchándose hacia la zona de la pala, terminado en laca negra. El diapasón es de palorosa, bastante estrecho. Acostumbrarse a tocar esta guitarra no demanda demasiado esfuerzo, sobre todo si se está acostumbrado a utilizar guitarras con una posición de cuerdas tipo ‘low action’, es decir bastante cercanas al mástil. Al principio hay que controlar los movimientos de la púa para no chocar con el protector de acrílico. La fijación al cuerpo es por medio de cuatro tornillos grandes de metal, y presenta un aspecto muy sólido, así como todos los acabados en general. Tiene 21 trastes normales, perfectamente regulados. El sistema para regular el mástil se halla entre la pastilla del mástil y el final del mismo. Esto significa un cambio en positivo para esta revisión del modelo original, reclamado por las revistas especializadas, ya que el primer modelo construido por Jerry Jones, no permitía ninguna forma de corrección. De alguna forma, esto se explica por el preciso ajuste que necesita para sonar como un sitar. Este efecto se logra forzando un trasteo muy preciso, y estudiado por medio de un ángulo muy pequeño ente cuerdas y trastes, este concepto se repite con el puente donde cada cuerda tiene su ángulo preciso, siendo necesario unas medidas de cuerdas específicas para que todo funcione.
Las cuerdas D´Addario EXL110 cumplen todos los requisitos, incluso la guitarra parece traerlas de fabrica. El puente también ha sufrido una mejora, ya que la fórmica de la que estaba construido, pasa a ser de caoba. Solo se puede regular en altura. Lleva tres pastillas de bobina simple encapsuladas en metal plateado, por este motivo se denomina ‘Lipstick’ o lápiz de labios. La posición de estas pastillas es la habitual, con excepción de la tercera, ubicada en la parte superior de la guitarra, que recoge el sonido del segundo cordaje. Este está formado por trece cuerdas .010, afinadas en la escala cromática, donde la primera va afinada en el “mi” del traste 12 de la guitarra, y la última una octava más alta, aunque esta afinación puede variar a gusto del músico. Como es habitual en este tipo de pastilla, cada una posee un control individual de volumen y otro de tono. Las trece cuerdas de resonancia funcionan de forma independiente de las otras y no intervienen en su particular sonido. Se llaman de resonancia, porque en principio deberían transmitir vibraciones a través del cuerpo del instrumento, y por simpatía en determinadas notas, pero por el tipo de construcción semisólido, esta característica no funciona de esta manera.

El sonido de esta guitarra es único e imposible de imitar y la guitarra en sí con sus impecables acabados y su sugestiva forma hace que sea un instrumento realmente especial. Las características del sonido producido por sus pastillas también tienen unas cualidades particulares. Llama la atención la baja señal producida por ambas pastillas. Por este motivo es necesario abrir mucho los potenciómetros. Los reguladores de tono tienen un papel muy importante a la hora de diseñar el sonido. Una posibilidad que he utilizado particularmente con mucha satisfacción es, con ambos potenciómetros abiertos al máximo y el del puente al máximo de agudos, controlar el flujo de graves con el potenciómetro de tono del mástil. En la práctica suena con unos graves densos pero comprimidos y la sal del sonido es una estela de auténtico sitar que queda flotando al concluir el ataque de la nota; y todo esto sin ninguna unidad de efectos. El sonido procesado es realmente una delicia.

Este instrumento no permite básicamente tocar acordes. Su mejor uso es fundamentalmente apoyar un riff o seguir una línea melódica con una sola cuerda, los glisando suenan muy efectivos. Su uso puede ser muy sutil apoyando pequeños detalles de la melodía o tener un papel protagonista en un tema determinado, aunque, según mi punto de vista, es como esos efectos que producen algunos filtros de fotografía o determinados tratamientos de ordenador que, cuando se abusa de ellos, pueden resultar empalagosos. Pat Metheny hace un uso extensivo de esta guitarra en todas sus variantes, en uno de sus mejores discos ‘Secret Story’. John Scofield la utiliza en el último disco de Herbie Hancock ‘The New Standard’.

Texto y fotos © Ricardo Murad

Lito Vitale

¿Un músico New Age?

Por Ricardo Murad

Dentro de la amplia oferta del panorama musical a veces, y digo a veces, porque no es de las cosas más frecuentes, uno encuentra o a uno le encuentran determinadas músicas.
Desde hace un tiempo LITO VITALE suena en nuestro país.
¿Otro músico "New Age"? Podría ser por su edad, pero el apabullante currículum de Lito despeja toda duda.
Héctor Facundo Vitale nació en Villa Adelina, Buenos Aires el 1 de diciembre de 1961.
Estudió en diferentes etapas de su vida piano y batería, siendo fundamental la relación con su padre RUBENS VITALE (DonVi) del cual obtuvo sus primeras lecciones. LITO también toca guitarras,bajos, flautas y es además técnico de grabación.

Su carrera musical comenzó a los siete años, pero fue en 1974 (a los 13) cuando con LILIANA VITALE, DANIEL CURTO y EL "NONO" BELVIS como músicos y RUBENS VITALE y ESTHER SOTO (sus padres) en la producción, funda M.I.A (Músicos Independientes Asociados), que fue, si mal no recuerdo, la primera experiencia de un sello independiente en Argentina.
Por aquella época, caminar por la calle Corrientes (a lo largo de la cual se agrupan una enorme cantidad de cines, librerías y algún que otro restaurante para saciar las necesidades culinarias) significaba asomarse a la amplia y rica oferta musical en forma de pequeños posters pegados en las paredes, algunos muy imaginativos. En ese aspecto M.I.A también era diferente. Ellos tenían un fichero con la gente que se les acercaba y uno se enteraba de los conciertos ¡ por correo! Todavía faltaban algunos años para los "mailings" y las "bases de datos". Y si alguien se asomaba por Villa Adelina podía encontrar a los artistas y su entorno encuadernando los sobres de los LP ...a mano.
Los conciertos de M.I.A no se limitaban a la música; lo más probable es que al llegar al teatro en el que se iba a desarrollar el concierto, hubiera en la antesala una exposición de pintura o fotografía, de jóvenes que encontraban en estos eventos la posibilidad de exponer sus trabajos.
De alguna forma era imprescindible mencionar un poco de todo esto para acercarnos al perfil de LITO VITALE.

Si tuviera que mencionar todas sus colaboraciones con otros grandes de la música, debería escribir un artículo aparte; valga por lo tanto mencionar algunos como PAUL BLEY, HERMETO PASCOAL, EGBERTO GISMONTI, DINO SALUZZI, CHANGO FARIAS GOMEZ y el GARDEL de mi generación "El flaco" LUIS ALBERTO SPINETTA, así como la prestigiosa poeta y escritora MARIA ELENA WALSH ("Viento Sur " 1991) entre otros.

Nos conocimos cuando Lito tenía trece años. Por aquella época compartíamos nuestro entusiasmo por TONY BANKS (GENESIS), YES, EMERSON LAKE & PALMER, PREMIATA FORNERIA MARCONI o GENTLE GIANT, grupos por los que Lito confiesa sentirse muy atraído todavía. Pero los tiempos van adelante y PAT METHENY y LYLE MAYS ocupan en la actualidad puestos de privilegio en su reproductor de CD y en su corazón .
La música de LITO VITALE ha tenido mucho éxito dentro y fuera de Argentina y uno de los motivos de esta entusiasta acogida es que, además de las obvias referencias a la música 'moderna', hay en ella elementos de música clásica y una marcada influencia de la música popular de Argentina, que determina su original sonido.
En esta última etapa LITO lidera un cuarteto, que para estos momentos será un quinteto. Los miembros del cuarteto con los que se presentó varias veces en España son: CRISTHIAN JUDURCHA, JORGE ARAUJO y MARCELO NOVATI( por orden cronológico, en batería); MANUEL MIRANDA (vientos, chéquere, quena, antara); MARCELO TORRES (bajo de seis cuerdas) (hay que ver lo que toca este chico) y el último fichaje LITO EPUMER (guitarra). GUSTAVO 'flaco' SEGAL es su asistente de sonido y técnico midi (toca el Mac).


VERANO PORTEÑO

Caminar por el tradicional barrio de San Telmo (famoso por su arquitectura colonial y su feria de artesanía) en verano puede compararse a pasear por Barcelona en esos días de humedad y calor, que para los sufrientes moradores de climas secos puede resultar una experiencia...húmeda. El lugar de nuestra cita, era el estudio de grabación 'La casita de mis viejos'. Detrás de la robusta puerta de madera un acogedor patio distribuye en su perímetro varias salas destinadas a distintos fines. En una de ella se encuentra el lugar de trabajo de LITO, el estudio de grabación, lugar donde transcurrió nuestra entrevista.

- Quisiera que comenzaras la entrevista comentando un poco a los lectores de KEYBOARD, en España tus comienzos como músico, las primeras lecciones de tu padre...

Más que nada jugamos con la música desde que yo era muy chico; mi padre me enseño de esta manera. Tratamos de evitar la típica profesora de piano que probé y me aburrí como todos los pibes. Dejamos ese método de estudio, y más que nada escuchábamos música y sacabamos temas de oído, como en un juego. En mi casa se oía buena música desde siempre, PIAZZOLLA, ATAHUALPA, SPINETTA, música sinfónica...

¿Que método usaba tu padre para que no te aburrieras?

Escuchar y repetir.

¿Has estudiado música?

A los trece años fui a un conservatorio para aprender a leer y escribir con audioperceptiva, pero no le di demasiada pelota y hasta el día de hoy no soy demasiado bueno leyendo. Solamente sé leer y escribir para tener ese tipo de información, pero fue particular la manera que tuve de aprenderlo.

¿Y para los arreglos no necesitas un conocimiento más formal?

No sé si lo necesito o no, el hecho es que no tengo una sabiduría metódica, simplemente es todo intuición. Escuchar música, repetir y lo de siempre, tocar con muy buenos músicos y tratar de aprender de ellos.

¿Podrías comentar tus últimos discos, sobre todo el material editado en España?

'Ese amigo del alma' (dedicado a LYLE MAYS) fue el primero que se editó en España y es un refrito entre 'Ese amigo del alma' (1988) y 'Lito Vitale Cuarteto' (1987) que se editaron separados aquí (en Argentina). Me gustan muchísimo, especialmente el tema 'Ese amigo del alma'.
Este disco y 'La senda infinita', que es posterior, forman parte del momento más fuerte del cuarteto. Después vino una experiencia de la que surgió 'Viento Sur', que lo grabé con el cuarteto y donde hago cosas nuevas con los teclados, y que incluye a MARIA ELENA WALSH recitando. Después salió 'La Excusa' (1992), que hicimos porque queríamos grabar el tema que daba título al disco, porque que me gustaba muchísimo el solo de MARCELO TORRES en el bajo. Nos parecía absurdo no grabar esa música aunque ya estaba pensando cambiar el grupo o dejar un tiempo sin grabar. Esa fue la motivación real de la existencia de 'La Excusa'.
Después salió un álbum mío llamado 'En solitario', que hice aparte del cuarteto y que se editó aquí sin ningún tipo de apoyo promocional. Luego 'Kuarahy', que es la obra que hice para JULIO BOCCA, y que salió este año en España. Este disco es uno de los que más me gusta y es una obra de música y ballet. Se estrenó aquí en el 'Luna Park' (es un enorme estadio de boxeo, que se utiliza también para espectáculos) con muchísimo éxito. Hicimos seis funciones y JULIO BOCCA, supuestamente en el año 1993, va a tratar de presentar en otros lugares del mundo.

¿Esa obra se representó en España?

Estuvimos a punto de representarla en la EXPO, pero cuando terminamos la obra, los presupuestos de la EXPO estaban cerrados. Pero no obstante lo haremos en otro medio.


¿Hay otros discos editados en España?

En España no se han editado más, excepto un disco de JUAN CARLOS BAGLIETTO, que es un cantante y del cual yo hice los arreglos, y un disco solista muy reciente que se llama 'Sobre riesgos y memorias'
Ahora estoy haciendo un trabajo que me encargó LA XUNTA DE GALICIA sobre el año Xacobeo. Es para la Exposición Santiago y América. Vino aquí una persona para mostrarme un guión, con el hilo conductor de los movimientos. No estoy seguro para qué lo van a usar, quizás un audiovisual, para la inauguración o música de fondo.
Yo me hice mi propia película con las imágenes que me tiraron. Estoy haciendo la primera parte, una procesión por Europa y la segunda parte que es la conquista de América.

¿Cuáles son tus influencias, los músicos que más te interesan?

Actualmente me gusta mucho PAT METHENY, LYLE MAYS y algunas cosas de KEITH JARRET. No he escuchado lo más actual, lo último que escuché fue el 'Concierto de Paris'. También me gustan algunas cosas de PETER GABRIEL, STING, DIRE STRAITS, pero no en plan fanático.
Lo que me mata, es el el último disco de PAT METHENY, me gusta muchísimo. No pude ver el concierto de LYLE MAYS cuando vino, porque yo estaba de gira en España en ese momento, pero me dijo mi mujer que fue increíble. Con el trío: piano, batería y bajo, y además estuvo PEDRO AZNAR cantando algunas cosas. Me lo perdí pero estoy seguro que fue tremendo. Estoy esperando para ver si sale un disco.
Me gusta mucho la música sinfónica; tengo muchos CD Vídeos de orquestas haciendo obras que me gustan, como la 5ª de MALHER o el Réquiem de MOZART, Tristán e Isolda de WAGNER y un montón de música sinfónica.
Tengo una gran colección de CD's del rock sinfónico de los '70, y el trabajo para la XUNTA DE GALICIA tiene mucho que ver con todo esto. Sigo escuchando este tipo de música y muchas veces prefiero, antes de escuchar un disco nuevo, que quizás escucho y no me gusta, volver a escuchar cosas de YES que, en mi opinión, fue el mejor grupo de esa etapa, y el que mejor soporta el paso del tiempo. También me ocurre con algunos temas de EMERSON LAKE & PALMER y GENESIS. Pero los que todavía me resultan actuales son el disco doble de YES o 'Close to the edge', que son obras que, si se hubieran editado recientemente, serían renovadoras a tope.

¿Y algo del Jazz tradicional como BILL EVANS por ejemplo?

No me gusta el Jazz tradicional. Me parece muy bien, pero no me llega a emocionar. Me gusta BILL EVANS y LYLE vino ahora con su grupo de Jazz acústico. También estuvo MICHEL PETRUCCIANI y no me emocionó en lo más mínimo. Me parece que son monstruos tocando, pero no es una música que me llega. También vino HERBIE HANCOCK y no fui a verlo.

¿Crees que es una cuestión generacional?

No lo sé, a mi los grupos en los que se tocan muchos solos e improvisaciones de los músicos de forma constante no me gustan, me aburren muchísimo.

Pero sin embargo, tu grabas muchas improvisaciones...

Si, pero otro tipo de improvisaciones. Las improvisaciones de Jazz son sobre una secuencia armónica, y el tema tiene una cantidad de compases y después se repite la misma armonía del tema, y allí hace el solo la guitarra, el solo del piano después el saxo, luego el solo del bajo, después vuelve al tema y allí termina. Esto es lo que ocurre en el 80% de los temas de Jazz, más complicados o menos complicados; este tipo de solos es lo que no me gusta.
Yo improviso todo el tiempo, pero con un esquema más sinfónico, no jazzero. Nunca utilizo una secuencia de acordes para improvisar arriba. Quizás en 'Recuerdos', que es un tema que en España se escucha mucho, hay algo de eso, pero es un solo tema en 5 discos que tiene el cuarteto.
En 'La excusa' pasa lo mismo con el solo de Marcelo, pero ocurre muy de vez en cuando.
Lo que yo hago es improvisar dándole más pelota a la melodía, y la modulación a través de la melodía. No hago una secuencia acórdica e improviso encima, es decir lo hago pero muy de vez en cuando. No digo que sea malo, lo que quiero decir es que no me gusta. Quizás un solo de LYLE, o de PAT o de OSCAR PETERSON es un infierno, pero cuando vas a ver a un grupo así, yo personalmente al quinto tema donde hay muchos solos me hincha las pelotas. Da igual que sea PAT o 'magoya'.

¿Cuál es el último disco que compraste?

El último que compré es el de SERU GIRAN. (Es un grupo argentino que tuvo mucho éxito en los setenta y se volvió a reunir, integrado por PEDRO AZNAR, CHARLIE GARCIA, DAVID LEBON y MORO; todos músicos muy famosos allí)

¿Y el que más estás escuchando últimamente?

Durante 1992, desde que salió 'Secret Story' de PAT, me lo morfé. Me mató ese disco, creo que tiene unos temas increíbles.

¿Qué opinión te merecen los arreglos de cuerdas?

Me mata, o sea que me gusta mucho la inclusión de la orquesta, así como también me alegra el retorno de NANA VASCONCELOS, porque siempre mete unas cosas muy grosas. Me encanta el tema de las voces de MARK LEDFORD; es increíble.

Hablando de músicos y tecnología, cuéntanos un poco acerca de tus sonidos: módulos, samplers, sintes, procesadores etc.

Tengo un equipo bastante completo, un equipo de estudio y otro igual para las actuaciones con algunas mínimas diferencias. En vivo uso mucho el piano Yamaha CP80 midi y en estudio también, pero muy de vez en cuando. Lo uso como controlador y como sonido y es un piano que no tiene la limitación de las 24 voces de un piano sampleado. Entonces es otra cosa utilizarlo, quizás suena un poco antiguo, pero yo sigo prefiriendo tocar con un piano de verdad: que tenga martillos, cuerdas y esas cosas. También uso siempre la combinación con el DX7 y el
DX 81Z, que son esos pianos típicos del DX7, a veces procesados un poco más con modulación, pero nada más que eso. Para los sonidos de cuerdas utilizo las de KURZWEIL, en concreto un K1000SE para vivo, y en el estudio un K2000 y un KURZWEIL 1000SX que sólo tiene sonidos de cuerdas. Eso es lo que uso en el teclado de abajo, la combinación del DX7 con KURZWEIL, donde uso su sonido de piano, las cuerdas y los vibráfonos, que son alucinantes y también el ROLAND D550.
En vivo uso un KURZWEIL K1000SE para una situación parecida: cuerdas, pianos etc. El ROLAND D550, para sonidos de percusión, vibráfonos, estaccatos, pizzicatos de cuerdas que son muy buenos. Para un complemento de cuerdas uso las Bell O'Strings del KAWAI K1r, que es lo único que uso de este teclado, porque no hay otras cosas que me interesen.
En la mano derecha uso los pianos de PRO-FORMANCE de E-MU, que son dos, para doblar a veces el piano y también el sonido que inventó LYLE MAYS, que lo hago con el OBERHEIM XPANDER. A veces puedo usar en vivo un KORG EX8000 que es igual al 8000 pero en módulo, o un KORG M3R, igual que el M1 pero sin secuenciador; de aquí uso el sonido de la flauta de pan.

¿La flauta de pan la doblas con una quinta arriba?

No uso quintas así inventadas, las toco con la flauta de pan del KORG M3R y en estudio utilizo un KORG T1 con teclado de 88 en madera.
Otro de los módulos que uso es el PROTEUS 2, que no lo uso para cuerdas, lo uso para todo lo demás: oboes, piccolos, french horn, timbales, platillos de orquesta, gones, xylophone También me gusta mucho un preset que es una combinación de sonidos de viento; es el 33 'SectionWinds' que realmente me gusta mucho. En 'Kuarahy' todo lo que es 'Lead' lo hice con el PROTEUS 2, que es un aparato alucinante, me encanta, además uso las seis salidas.
Como samplers uso el ROLAND S330 que tiene muy buenos french horns, una guitarra muy buena, y algunos coros que me gustan.
Utilizo un EPS16-PLUS de ENSONIQ para vivo y para estudio otro igual y un EPS16-PLUS TURBO que tiene memoria interna para evitar cargar diskettes. En uno de ellos tengo una batería sampleada y en el otro más bien orientado a sonidos de orquesta: arpas, coros y otras cosas.
Como controlador midi uso un ROLAND A80 y en vivo una pedalera de bajos MOOG TAURUS y un MINI MOOG que uso mucho en el estudio.

¿Cómo es el proceso de creación de sonidos?

GUSTAVO SEGAL es mi asistente de sonido. El me ayuda mucho en buscar y procesar sonidos o modificar los presets de fábrica. Muchas veces uso sonidos que vienen programados porque están muy bien y me inspiran. No tengo la cosa de hacer mis propios sonidos; a partir de ellos hago mi historia musical.
Con respecto de los procesadores, tengo dos LEXICON PCM70 y dos LEXICON LXP1, una ENSONIQ DP4, que está muy bien, y una ROLAND 2000, que la uso para la batería más que nada; tengo una ALESIS QUADRAVERB PLUS, que la uso para algunos coros. Hicimos una cámara muy brillante. Dos compresores DBX, COMPRESOR II con puertas AUDIOLOGIC y un EXITER AUDIOLOGIC, dos equalizadores paramétricos RAIN. Para grabar utilizo dos ALESIS ADAT y un MAC LC con un PERFORMER 4.1, donde hago toda la música. Los ALESIS los uso para muy pocas cosas. Compongo más que nada en el MAC, es decir improviso y grabamos y corregimos si hay que hacerlo.
Para mezclar tengo una mesa SOUNDCRAFT de 52 canales (in line) automatizada, modelo SAPHIRE con monitores JBL 4430 y monitores pequeños JBL para mezclar, y una etapa de potencia YAMAHA.

¿Cómo lo haces, cuál es el proceso?

Comienzo grabando con lo que siento en ese momento; por ejemplo hago un track de piano o de cuerdas, sin metrónomo si es algo 'ad libitum', y si no, uso el metrónomo para que cuando grabe otras cosas encima, sea más fácil. Si la primera parte salió bien y la segunda no tan bien, puedo editar muy fácilmente con el MAC y así queda el tema. Esto es más que nada para los trabajos solistas. Con el grupo me pongo a ensayar siempre con los músicos. No compongo en el estudio, compongo las partes y después se las paso. A partir de los ensayos hay modificaciones y cada uno mete su historia. En cambio para trabajos de estudio compongo aquí. Hago todo solo con GUSTAVO. Una vez que está el primer track, escucho y saco el cifrado de lo que toqué, escribo los acordes y si hace falta agrego bajo o batería, y si no lo doblo. Si el tema es muy 'ad libitum', lo doblamos con el MAC, elegimos las notas que hay que doblar y después le adjudicamos otro sonido.

¿Y los arreglos, cómo los vas metiendo?

Por sensibilidad, no es una cosa que se pueda explicar.

¿Cómo eliges los sonidos? ¿Ya tienes en la cabeza los que te parece que van con el tema?

Sí, además con GUSTAVO hace 6 años que trabajamos juntos y el ya sabe cuando hay algo que voy a meter después. Entonces me carga los sonidos que él piensa que van a ir y siempre acierta, así que trabajamos muy en comunión.

Con todo el arsenal de aparatos y sonidos que tienes, ¿qué usas más y cuáles son tus sonidos favoritos?

Las 'Low Strings' de KURZWEIL 1000SX son 'lo más', las mezclo casi siempre con la viola sampleada que tiene el PROTEUS 2.

¿Es uno de los presets de fábrica?

Si, lo que hizo GUSTAVO fue extenderla para que tenga todo el registro. Ese sonido es mi favorito. También me gustan mucho el French horn del ROLAND S330 y la combinación del piano YAMAHA CP80 con el piano del KURZWEIL K2000, el 'dual estéreo piano' y el DX7. Esta es una combinación que uso muchísimo. Es ese piano que suena muy brillante.
Para tocar las melodías lo que más uso es el T1 con el sonido de la flauta de pan, mezclado con el OBERHEIM XPANDER, con el sonido típico de LYLE. También uso la armónica del T1 que viene de fabrica y es espectacular.
Del PERFORMER no te puedo hablar mucho, porque me dedico más a la música que a programar.

Cuando trabajas con el grupo, ¿como se dividen el trabajo?

Hay una participación absolutamente creativa. El quinteto está empezando a funcionar cada vez mejor. Estuvimos en España cuando esta formación era nueva. Con respecto a las partes, yo le paso el tema a Marcelo y el casi siempre hace sus partes de bajo. Manuel Miranda toca las melodías con su fraseo enlos instrumentos que el maneja, que son muchísimos y tiene un oído increíble para sacar las melodías. Además de tocar todo tipo de vientos es muy buen percusionista. Un verdadero multi- instrumentista. En batería se ha incorporado recientemente Marcelo Novatti, al que también le paso cosas y el mete las suyas con su estilo particular. Siempre trato que cada músico meta cosas suyas. Cuando un músico no aporta su propia música al grupo, es difícil que siga en él, porque la propuesta no es acompañar a un solista. Tienen que tocar lo que a ellos les parece, porque sé que lo que ellos tocan puede funcionar en mi música. Finalmente el 5º miembro del grupo es el guitarrista LITO EPUMER, que tocaba con SPINETTA y MADRE ATOMICA.

La pregunta del millón, ¿que aconsejarías a los jóvenes que comienzan a dedicarse a la música y se encuentran con estas posibilidades infinitas en cuanto a la tecnología?

Yo creo que lo fundamental es tratar de tocar uno. El MAC lo uso como grabador, los instrumentos son tan grosos ahora que pueden tocar solos. Puedes programar una melodía a muy baja velocidad y hacerla sonar 3 veces más rápido. Lo importante es hacer acordes, melodías interesantes o por lo menos intentarlo, y después, si el ordenador te sirve para llevar esto a cabo de la mejor manera ¡fantástico! Pero siento que hay muchos músicos nuevos que, si no tuviesen un secuenciador, no podrían tocar nada absolutamente. Es importante sentarse al piano y saber tocar. Eso es el comienzo.

Si saben tocar el piano, quizás podran expresarse con los demás teclados, pero el piano es fundamental.

¿Y no habría una posibilidad que, con los medios que ofrece la tecnología actual, pudiera existir un nuevo concepto de hacer música?

Lo que ocurre es que el 99% de los chicos que tocan música New Age se hacen valer de secuenciadores y entonces la música es eso; sonidos que los mismos instrumentos incorporan y que están muy bien, pero nada más que eso. Y eso no es malo, pero lo bueno es ver a un músico tratando de movilizarte con algo propio. Es mi opinión y no quiero decir que hacer música de esta manera no te cueste un huevo.... en horas de programación. Pero insisto, lo fundamental es cuando un músico te emociona, como (y siempre nombro a los mismos porque me gustan) LYLE MAYS en 'As falls Wichita...' que usa un montón de teclados, y después se sienta al piano y te rompe la cabeza igual, te emociona, inventa sonidos. Eso es el músico metido en la tecnología.

Sabes que tus discos están normalmente en la sección de
'New Age'. ¿Cómo te suena eso?

Creo que no es del todo acertado, porque creo que no hago música New Age. Tampoco hago Jazz, para nada. En general las etiquetas no valen. Los ortodoxos del Jazz no ven con buenos ojos a PAT METHENY, no es un 'Jazzman' para ellos. PAT es un músico, eso es lo que vale, igual que SPINETTA o CHICK COREA o LYLE MAYS. Aunque tengan momentos más interesantes y otros no tanto, son grandes músicos. En las tiendas de música debería haber una sección que pusiera 'músicos'.

Texto y fotos © Ricardo Murad


DISCOGRAFIA DE LITO VITALE EN ESPAÑA

1989-GASA. “Ese amigo del alma”
1990-GASA “La senda infinita”
1990-GASA “En solitario”
1991-GASA “Viento Sur”
1992-GASA “La excusa”
1992-GASA “Kuarahy”
1993-GASA “Sobre riesgos y memorias”

Litto Nebbia

Solo se trata de vivir

Por Ricardo Murad

Es una institución en Argentina. Pionero del rock en latinoamérica, creador del rock en castellano. Hacia principios de los ´70 comienza a experimentar la música de fusión con el tango, folclore argentinos y elementos de jazz. Uno de los compositores más prolíficos que ha dado este país, y que supera los cien discos como titular o músico invitado. Hoy posee un sello independiente donde edita, sin presiones, diversas músicas con el denominador común de la calidad, también publica en colaboración con Nuevos Medios a artistas españoles. Litto Nebbia es referencia obligada cuando se habla de la música argentina de los últimos treinta años, y todavía continúa creando.

Para los argentinos es parte de su idiosincrasia, como el mate o el obelisco. Es también testigo de la evolución personal de muchos que han compartido su vida con sus canciones, que refleja como nadie el sentir de esta compleja identidad, que es ser argentino. Cada etapa de la vida de este país se ha visto reflejada en su música o en sus letras. Sus canciones han sido himnos entre los estudiantes, y a veces consuelo en los dramáticos momentos de la dictadura. Su honestidad artística y personal, y su compromiso con las clases menos pudientes, lo llevaron a un largo peregrinar por Méjico, EE.UU y Brasil. Pero Litto, como en sus canciones “...no puedo vivir sin ti, mi tierra...”, regresó y siguió militando en la coherencia. Al regreso de la democracia ocupó un cargo en el gobierno de Menem relacionado con la cultura, al que renunció, agobiado por la burocracia. Esto coincidió con la venta de su discográfica a capitales extranjeros, que dejó a Litto por primera vez en su carrera con la libertad de realizar un ambicioso proyecto: crear su propio sello.

Este año estuvo de gira por España, tocando en pequeños clubes, donde se pudo ver a una buena cantidad de músicos argentinos que viven aquí, y a otros, como a Pedro Guerra, que declara su admiración por la música que se produce en el cono sur. Litto tuvo excelentes críticas en los periódicos, y su música, siempre exenta de cualquier concesión a la comercialidad, encandiló a quien tuvo la oportunidad de escucharle.

Cuéntanos cómo fueron tus comienzos

LN - Tuve la suerte de empezar a tocar música y a estudiar a los 8 años con mis padres. Esto me permitió meterme desde muy chico en la profesión, y además me dió la posibilidad, a los 12 años, de estar en contacto con el jazz, escuchar a Astor Piazzola, y participar de los inicios de la Bossa Nova, Antonio Carlos Jobim, Joao Gilberto y Vinicius de Moraes. Por esa época comencé a escribir mis primeras canciones, y naturalmente lo hice en castellano. Esto era una cosa completamente nueva en Argentina. Las canciones que se escuchaban en español eran versiones de canciones en inglés, cuya letra nada tenía que ver con nuestra manera de hablar, con nuestra idiosincrasia. Entonces formé el primer grupo, cuando todavía era un adolescente. Este grupo se llamó ‘Los Gatos Salvajes’, y con él grabé mi primer disco en 1965. Yo tenía 16 años y significó el primer paso en este tipo de proyecto, es decir música cantada en español, y que reflejara las vivencias cotidianas de un joven en su propio entorno. Este disco está reeditado en formato CD. Cuando salió este disco no tuvo mucha aceptación, nadie componía de aquella manera en esa época y finalmente el grupo se desintegró por falta de trabajo. Al año y medio, con otro integrante de ese grupo, Ciro Fogliatta, que vive aquí en Madrid, formamos otro grupo que se llamó ‘Los Gatos’. La suerte fue muy diferente. Nada más salir el primer disco, vendimos 300.000 copias. Esto nos situó primeros en las listas en todo latinoamérica y fue el comienzo de mi carrera profesional. También fue el inicio de un movimiento que generó la creación de otros grupos con otros estilos, otras músicas y otras letras, con el denominador común del idioma español.

A partir de los comienzos de la década del setenta hubo una explosión creativa en Argentina, que sentó las bases de la evolución de los ultimos casi treinta años. Grupos como Almendra, Manal, Vox Dei, y Sui Generis marcaron el comienzo de una época, de donde salieron nombres bien conocidos en España, tanto por sus interpretaciones como por sus composiciones: Charly García, Luis Alberto Spinetta, León Gieco, y posteriormente Fito Páez, Lito Vitale y un gran etc. Pero Litto, rebelde e intuitivo, ya estaba creando la fusión.

Brevemente, ¿cómo fue el panorama de la música que escuchaba la juventud en ese momento en latinoamérica?

Sólo se escuchaba música extranjera, esa música era en su mayor parte norteamericana, inglesa o italiana. Los adultos también escuchaban boleros, pero los jóvenes básicamente consumían los refritos de lo que se escuchaba en EE.UU.

¿Cómo ha evolucionado tu carrera desde entonces?

Por mis características personales, soy un músico que no me quedado con lo que ocurrió al inicio de mi carrera. Siempre he seguido estudiando y juntándome con otros músicos y a comienzos de los ´70 estas uniones determinaron otro horizonte a mi carrera. Comencé a hacer música con gente mayor que yo, de otra generación y sobre todo de estilos muy diferentes. Esto sorprendió a mucha gente, que no entendía como un músico de rock podía tocar con músicos de tango, jazz o folclore.

¿Te refieres a la “Nebbia´s Band”?

Si, porque en ese momento hice cosas con Domingo Cura, Manolo Juares, tocaba con bandoneonistas como Dino Saluzzi o con Roberto ‘Fats’ Fernández. Esto, de alguna manera, marcó el comienzo de la música de fusión en Argentina, que no fue fácil, ya que fue rechazada por la gente más ortodoxa. Hoy en día, es una cosa normal que un grupo se fusione con músicos de otro género. Esta música incluía elementos de jazz, como la improvisación, elementos de la rítmica del folclore, pero no reproduciendo el folclore en su forma armónica tradicional, sino en su rítmica. También incluía elementos de la música brasilera y del tango, la música ciudadana, pero fusionando estos elementos con mi estilo, que está dado por la forma en que tengo de escribir las canciones, la forma de cantar y de tocar los instrumentos.

¿Con qué músicos has tocado, tanto en Argentina como en otros países, incluyendo a España por supuesto?

En Argentina he tocado y grabado con medio mundo. He tocado con una gran variedad de músicos, justamente por esta actitud que he tenido desde los ´70, desde la época de la fusión. Gracias a esto he tenido la suerte de estar tocando hoy en día con el violinista del mejor quinteto de Astor Piazzolla, que es Antonio Agri, y me permite mantener una relación con Virgilio Expósito, que es 30 años mayor que yo, o tocar con Roberto ‘Fats’ Fernández, que es el mejor trompetista del país, y que ha tocado y grabado con Winton Marsalis.

En Brasil he tocado y grabado recientemente ‘Ponto de Encontro’ en trío, con la participación de Serrenato, que es uno de los integrantes de ‘Boca Libre’, y Victor Biglione, que es guitarrista de jazz, y que ha grabado con Gal Costa, Joao Bosco, etc. Está grabado en ‘portuñol’, ya que tiene partes cantadas en portugués y otras en castellano. Vamos a repetir esta experiencia otra vez este año con Victor y Wagner Tiso (el alter ego de Milton Nascimento). He tocado en Brasil muchas veces, tuve amistad con Elis Regina, Hermeto Pascoal, Milton Nascimento y Tom Jobim. Lo que ocurre es que la relación es más estrecha por la cercanía y mis discos han salido allí. Me ocurre igual con Uruguay. En EE.UU. he grabado con músicos de jazz como Michael Urbaniak, Jeremy Stayt (flautista) y Eddie Daniels (saxo). He tocado en Argentina con Wynton Marsalis, Hugo Fattorusso y Rubén Rada de Uruguay.

En España no tuve un contacto muy fluído porque mis discos no salieron aquí, y no tuve tiempo para explorar este mercado, pero conozco la música. El flamenco es lo que más me interesa, lo que creo es lo más original: Paco de Lucia, Camarón, Tomatito, Quetama, Pata Negra, José ‘el francés’, Morente. Con Javier Ruibal he grabado un disco en Argentina, al que le faltan un par de temas que vamos a terminar este año. Me llamó la atención un disco de Amancio Prada que me gustó mucho. Otro músico que escuché hace tiempo es Pedro Ruiblas, y de quien ahora no he visto nada. No conozco todo el panorama pero me he comprado muchos CD´s para llevarme.

Has creado Melopea, tu propio sello discográfico. ¿Cómo fue el origen?

El sello fue creado hace 8 años, y fue la concreción de un sueño y de una actividad que yo ya realizaba de forma irregular, que era producir otros artistas, es decir tipos que me gustaban y que hacían músicas muy distintas a la que yo hago. El sello está abocado a la grabación de este material, y posee un catálogo muy extenso, dedicado a registrar toda la cantidad de matices de lo que se hace en Argentina con la música popular. En general la música más auténtica, la de más calidad, es cada vez más despreciada por las discográficas, que sólo apuestan por el material más efectivo en término de ventas. Comencé a grabar tango en la manera más tradicional, el nuevo tango realizado a partir de Piazzolla, algunas cosas de folclore, y también música instrumental, jazz argentino, bandas sonoras y mis discos personales. Este es el material que básicamente edito. Tenemos un estudio digital muy completo, que me permite algo que es lo más importante en la música: la independencia, tener la libertad para hacer, artísticamente, lo que uno quiere. Cuando se habla de un sello independiente, siempre he entendido eso, grabar lo que uno quiere, y sobre todo no estar atado a las leyes del mercado.

¿Los músicos que graban en tu sello tienen algún condicionante, deben seguir alguna línea?

No, en absoluto, los músicos que produzco ya tienen su estilo y su trayectoria. Lo único que hago con ellos de común acuerdo, es hablar acerca de cómo será la producción, e intentar sumar ideas, conceptos, desde mi experiencia como productor y músico. No necesariamente todos los músicos, por más bien que toquen, tienen una idea acabada de cómo debe ser la producción de su propio disco, y a veces ni del sonido que quieren. Colaboro en la producción con lo que yo creo que hace falta, y siempre de común acuerdo con el artista. Ocurre también que, a veces viene un artista con su grupo con temas que les pertenecen, y que están arreglados por ellos. En ese caso mi tarea es trabajar con el sonido, qué tímbrica va a usar cada instrumento, cómo se va a compaginar el disco, cómo va a ser la grabación, la mezcla final, la portada, etc. En los casos en que el artista es solista pero no es compositor, hay que elegirle el repertorio, hacer los arreglos, elegir los músicos. Básicamente estas son las tareas de producción.

¿Cuál es tu relación con Nuevos Medios aquí en España?

Nuestro sello ha trabajado con músicos argentinos, aunque hemos sacado otros artistas, que coincidían con el planteo de nuestra discográfica en términos de calidad. También, de alguna forma, embellecían nuestro catálogo, como algunos discos de Miles Davis con John Coltrane, un disco de Charlie Parker, otro de Gonzalo Rubalcaba, Hermeto Pascoal. Con esa misma idea trabajamos con artistas del nuevo flamenco, que, personalmente, creo que es la música más representativa de España. He conocido, aparte de Paco de Lucia y Camarón, otros músicos como Tomatito, Pata Negra, Ketama, Canizares, Morente. Todos ellos publicados en Nuevos Medios, el sello que se dedica desde hace más de diez años a toda la música que me gusta. Por este motivo se me ocurrió que el sello tenía las mismas características artísticas que nosotros, porque es un sello que se dedica a producir la música de raíz, de su lugar de origen. Entonces tomé contacto con Mario Pacheco, el dueño del sello. Él conocía también nuestra discográfica y, por suerte, de entrada nos caímos bien. Hay una idea en común de cómo y qué artistas producir. Todo esto desembocó en un contrato para que cada uno difundiera la música del otro. Melopea, aparte de sus propias actividades, son representantes y editores del material de Nuevos Medios para América Latina, y Nuevos Medios hace lo propio en Europa con Melopea. Es un proyecto muy ambicioso, porque permitirá descubrir esta música que no se conoce en América Latina. Sí se conoce el género, pero no los artistas. Ellos, en la misma línea, han editado un disco de Virgilio Expósito, de Adriana Varela, en estos días uno mío, la semana que viene uno de Roberto Goyeneche, Anibal Troilo, Nestor Marconi y Antonio Agri. Lo mismo sucede con el tango, se conoce en todo el mundo, pero no los artistas, formas y estilos. Creo que esta colaboración va a ser muy beneficiosa para ambos. Tenemos planeado hacer unas 15 producciones anuales cada sello.

Volviendo a tu labor como músico, ¿cómo compones?

Suelo tener mucha música adelantada, sin letra. Me siento en el piano, tomo la guitarra y me salen temas, melodías. A veces recupero esas grabaciones y digo, bueno esta melodía me gusta, voy a trabajarla más, o aquí voy a hacer ponerle una letra. También tengo cuadernos con cosas escritas, ideas, esbozos, letras, y pienso en ponerle música. Estas son las dos formas principales de componer. A veces, pero esta es la forma mas difícil y más feliz, se te ocurre música y letra al mismo tiempo, y cuando pasa esto, suelen salir temas más redondos, como por ejemplo: ‘Solo se trata de vivir’, ‘El bohemio’, ‘Distraídos’. Estos temas son diferentes que otros, que van evolucionando con la tarea de la composición.

¿Tienes un método para componer?

No (un no rotundo), no existe ningún método. Existe que uno está enchufado, con las antenas paradas, que uno es una esponja sensible a las cosas que pasan alrededor. Todo el conocimiento técnico que se tiene de la armonía, cómo escribir estéticamente una idea o desarrollar una letra, debe formar parte de tu persona. Es el estilo que uno tiene para escribir, que es la herramienta sensible. No debe utilizarse como una técnica, debe salir espontáneamente.

¿Qué opinión te merecen los músicos que se sientan determinadas horas al día e intentan pescar algo?

Me parece muy bien, algunas veces lo hago, aunque no para pescar algo, sino por placer. A veces me siento 2 ó 3 horas al piano y salen un montón de cosas. Otras veces te tienes que sentar a escribir porque hay que terminar un trabajo, como por ejemplo cuando compongo una banda sonora. Es un trabajo muy arduo. Hay que escribir quizás 30 partecitas con algún acento dramático, tratando de compaginar la acción con la música, y todo esto con el tiempo exacto, además con fecha de entrega. Es como una obligación, pero también es poder demostrar tu capacidad, y tratar de sacar adelante un proyecto sin dejar de lado la inspiración.

¿Cómo eliges los instrumentos, cuáles tocas?

Yo toco básicamente piano, guitarra, bajo, percusión, sintes y otras cosas vocales, aparte de cantar. Cuando escribo una música, ya sé la tímbrica sonora que voy a utilizar, los instrumentos, así como los músicos que han de intervenir, especialmente en la parte rítmica. Y si va a haber un solista de instrumento que yo no toco, como violín, saxo, trompeta o bandoneón, entonces elijo, aparte de la respuesta profesional y técnica, el estilo más apropiado.

Habíamos convenido que has evolucionado, pasando por diferentes estilos o colaborando con músicos muy diferentes. ¿Qué te ha aportado cada estilo musical últimamente, como el rock, el jazz, la fusión, el folclore, los boleros, los tangos?

Cuando comencé mis estudios formales a los quince años ya componía mis primeras cancioncillas. Eran composiciones muy humildes, pero las tocaba y cantaba de una manera personal. De esta forma, podía comprobar cómo evolucionaba mi música en relación a los conocimientos que adquiría, que era al revés de cómo se empieza primero a estudiar y luego a componer. Tenía contacto con la música a través de mis padres que eran músicos. Yo cantaba con ellos desde los ocho años. En casa se escuchaba música todo el día. Mi formación fue autodidacta, tocaba la guitarra de oído y tenía más aptitudes para la música que capacidad técnica. Trataba de sacar esos acordes que yo llamaba raros, que obviamente existían, pero nadie me los enseñaba. Por ese motivo debía de poner mucha dedicación, pero siempre vinculado a la composición. Posteriormente tuve la necesidad de aprender, y las canciones fueron mejorando, y yo ampliando mis horizontes musicales. En ese momento es cuando las influencias que has tenido se van decantando, y formando parte de tu propio estilo. Creo que lo máximo que te puede pasar en relación con la música, es que alguien te diga que escuchó una canción tuya y se emocionó. Esto te devuelve al momento en que fue creada, cuando uno mismo se ha emocionado. Es muy fuerte saber que esta canción ha servido para otra persona. Este mecanismo de retroalimentación te sirve para seguir con lo tuyo, más allá de la evaluación estética que pueda tener. Mis letras suelen ser muy directas y la gente se identifica con ellas. Otras veces, sobre todo con cosas más abstractas como la música, alguien se crea su propia historia de una determinada melodía, y pone un contenido personal, que no necesariamente es el que a mí me motivó esa melodía, pero ese poder evocar es igualmente válido.

¿Qué cosas le dirías a un músico joven?

Independientemente de los estudios formales que realicen, les diría que intenten lograr su voz personal. A veces hay gente que tiene la suerte de nacer con un sonido o con ideas musicales y con una personalidad propia, pero otra gente no. Esto no significa que no la tenga, sólo que hay que trabajar mucho. Cuando, a la hora de componer, te sale algo influenciado por la música que te gusta, tirarlo a la papelera y componer otras nuevas canciones, seguir y no conformarte. A lo mejor la primera cosa que te sale tuya es muy humilde, pero está bien que así sea. Creo que hay que evitar ser presuntuoso. Cuando yo tenía 20 años me gustaba Chic Corea, como tocaba el piano. Sabía por donde iba, y hubiera podido intentar hacer algo a su altura, pero si yo seguía trabajando y desarrollando mi propio camino, al final existía yo, existía Chic Corea, y existía otro. Pero a veces, el músico, por las cuestiones de competencia que existen en los ambientes musicales, se equivoca e intenta componer algo del color de la persona que admira. Esto, a largo plazo, no le va a servir para nada, porque si continúa estudiando, va a perfeccionarse, acercándose al sonido del músico que admira, pero no va a ser nadie. Esto no le va a dar una satisfacción musical y tampoco le va a dar una oportunidad profesional. El esfuerzo y el trabajo es muy importante. En la música comercial, y en la música de rock especialmente, hay docenas de músicos que inclusive tienen éxito, pero lo tienen con unas canciones que están escritas con la fórmula de otros, es decir que, lo que han hecho es cambiarle la cáscara a una cosa que ya está inventada. Esta forma de aprovechamiento comercial sucede y el público tampoco es tan puntilloso. Lo importante es que cuando una persona inventa una forma de canción, la desarrolla y crea un estilo. Si diez años más tarde viene otro que estudia, pero dentro del estilo ya creado, se está evitando 10 o 20 años de búsqueda. Por eso está mal que esto suceda.

No todo el mundo tiene talento. La gente que va a leer esto tiene un trabajo, una familia, y toca en casa...

No, yo me refiero a la gente que quiera trascender con su música. Hay que esforzarse.

¿Qué opinas de la gente que tiene éxito, fusilando cosas?

Hay buenos compositores que, en su afán por lograr el número uno, dejan su camino original, pero un compositor se da cuenta de eso. Es una decisión personal y al final una cuestión de ideología, y cómo quiere desarrollar su carrera. Yo personalmente he seguido una dirección que a mí me hace sentir bien, me siento libre. Hay gente que me critica porque no sigo la corriente.

¿Y la gente que hace cosas basadas en estilos que podríamos denominar clásicos, como Coltrane, Wes Montgomery o Miles Davis?

Dentro de la música de jazz que incluye la improvisación, es muy difícil, con los antecedentes que hay, con los grandes solistas y las escuelas de Parker, Coltrane, Miles Davis, que salga gente importante cada cinco años. Esta gente creó escuelas que duran treinta o cuarenta años, hasta hoy en día. A veces aparecen tipos nuevos como Pat Metheny, que aportan una música nueva. Él empezó desde muy joven, y mezcló con su música de tipo joven lo que había escuchado de sus maestros, y que a otros músicos de su edad no les interesaba. También en músicos nuevos de Brasil con personalidad, aparecen rasgos de Jobim. Esto es inevitable y está bien, no es una copia.

Fotografías: ©Ricardo Murad 1997

Recuadro

“El ‘Gordo Fernández’ es uno de los músicos de jazz argentinos más popular en EE.UU. Tuvo desde muy joven una gran capacidad de improvisación y una vena melódica impresionante. Lo mejor que tiene para mí es el sentimiento que imprime a su música cuando toca una balada o un tango. Y cuando toca con el “Fluger” te mata. Ahí reside su personalidad, a pesar de ser un fan de Louis Armstrong y Dizzy Gillespie.
Fue pasando el tiempo y, por cuestiones de la vida y cosas del destino, el primer disco solista lo grabó a los 50 años. Grabamos ese disco en Melopea con toda la ilusión de haberlo terminado, pero sin ninguna expectativa, pensando cómo vender un disco de jazz instrumental de un trompetista... , pero el disco empezó a venderse y ya estamos planificando la grabación del sexto. A partir del primer disco, el ‘Gordo Fernández’ comenzó a tener presentaciones internacionales. Viaja dos veces por año a EE.UU., lo contrataron para el festival de Jazz de Brasil, y el de Chile. Muchos de los artistas que viene a tocar a Argentina lo contratan como solista. Tocó con Gary Burton cuando vino a Buenos Aires, con Paquito de Rivera, y con la orquesta de Lalo Shifrinn ( músico argentino autor de la música de ‘Misión Imposible’).
Una vez llegó Winton Marsalis a tocar en Buenos Aires y escuchó al ‘Gordo Fernández’. Le encantó, y se quedó fascinado con su original forma de tocar, con su sentimiento. No se encontró con un trompetista latinoamericano que lo quiere superar en agudos, notas, virtuosismo y todo eso. El ‘Gordo Fernández’ invitó a Marsalis a su casa en ‘La Boca’ (el barrio italiano de Bs As), donde vive con su mujer y sus dos perros. El ‘Gordo’ no hablaba inglés y Wynton no hablaba castellano, y la mujer le preparó unos raviolis caseros, y así pasaron la tarde. A Wynton le impresionó muchísimo esta visita y le regaló una trompeta, que es una trompeta que le fabricaron especialmente en EE.UU. El ‘Gordo’ tuvo que viajar especialmente a EE.UU. para que le tomaran la medida del labio. Le hicieron una trompeta de oro, cuyo valor es cerca de dos millones de pesetas, y es el modelo ‘Wynton Marsalis’. Mientras sucedía esto, llegamos al cuarto disco, y ahí surgió la idea de invitar a Wynton a tocar. El ‘Gordo’ le escribió una balada y cuando Wynton vino a tocar a Buenos Aires, se pasó por el estudio, y grabaron ese tema, además de un tema de Armstrong. Esto pasa cuando te encuentras con tipos grandes, que son humildes, que tienen una especial sensibilidad.

Texto y fotos © Ricardo Murad